سرگئی واسیلیویچ راخمانینوف |

سرگئی راچمانینوف

و من سرزمین مادری داشتم. او فوق العاده است! A. Pleshcheev (از G. Heine)

راخمانینوف از فولاد و طلا ساخته شد. فولاد در دستانش، طلا در قلبش. آی. هافمن

من یک آهنگساز روسی هستم و سرزمینم اثر خود را بر شخصیت و دیدگاه های من گذاشته است. این سخنان متعلق به S. Rachmaninov، آهنگساز بزرگ، پیانیست برجسته و رهبر ارکستر است. تمام رویدادهای مهم زندگی اجتماعی و هنری روسیه در زندگی خلاقانه او منعکس شد و اثری پاک نشدنی بر جای گذاشت. شکل‌گیری و شکوفایی آثار راخمانینوف در سال‌های 1890-1900 اتفاق می‌افتد، زمانی که پیچیده‌ترین فرآیندها در فرهنگ روسیه رخ می‌داد، نبض معنوی به شدت و عصبی می‌تپید. احساس غنایی حاد دوران ذاتی راخمانینوف همیشه با تصویر سرزمین مادری محبوبش همراه بود، با بی نهایت گستره های گسترده آن، قدرت و قدرت خشونت آمیز نیروهای عنصری آن، شکنندگی ملایم طبیعت شکوفه بهاری.

استعداد راخمانینوف زود و به خوبی آشکار شد، اگرچه تا سن دوازده سالگی اشتیاق زیادی برای درس های منظم موسیقی نشان نداد. او در سن 4 سالگی شروع به یادگیری نواختن پیانو کرد، در سال 1882 در کنسرواتوار سنت پترزبورگ پذیرفته شد، جایی که به حال خود رها شد، تا حد زیادی به هم ریخت و در سال 1885 به کنسرواتوار مسکو منتقل شد. راخمانینوف در اینجا پیانو را نزد N. Zverev و سپس A. Siloti آموخت. در موضوعات نظری و ترکیب - با S. Taneyev و A. Arensky. او که در یک پانسیون با زورف (1885-89) زندگی می کرد، یک مدرسه انضباط کار سخت اما بسیار معقول را پشت سر گذاشت که او را از یک فرد تنبل و شیطان ناامید به فردی فوق العاده جمع و جور و با اراده تبدیل کرد. راخمانینوف بعداً در مورد زورف گفت: "بهترین چیزی که در من وجود دارد، من به او مدیونم." در کنسرواتوار، راخمانینوف به شدت تحت تأثیر شخصیت پی چایکوفسکی قرار گرفت، که به نوبه خود پیشرفت سریوژای مورد علاقه خود را دنبال کرد و پس از فارغ التحصیلی از کنسرواتوار، به اجرای اپرای آلکو در تئاتر بولشوی کمک کرد، زیرا از او می دانست. تجربه غم انگیز خود چقدر برای یک نوازنده تازه کار دشوار است که راه خود را بگذارد.

راخمانینوف از کنسرواتوار پیانو (1891) و آهنگسازی (1892) با مدال بزرگ طلا فارغ التحصیل شد. در این زمان ، او قبلاً نویسنده چندین آهنگ بود ، از جمله پیش درآمد معروف در سی تیز مینور ، عاشقانه "در سکوت شب مخفی" ، اولین کنسرتو پیانو ، اپرای "الکو" که به عنوان یک اثر فارغ التحصیلی نوشته شده است. فقط در 17 روز! The Fantasy Pieces که پس از آن، op. 3 (1892)، تریو Elegiac "به یاد یک هنرمند بزرگ" (1893)، سوئیت برای دو پیانو (1893)، لحظات موسیقی اپ. 16 (1896)، عاشقانه ها، آثار سمفونیک - "صخره" (1893)، کاپریچیو در موضوعات کولی (1894) - نظر راخمانینوف را به عنوان یک استعداد قوی، عمیق و اصیل تایید کرد. تصاویر و حالات مشخصه راخمانینوف در این آثار در گستره وسیعی ظاهر می شود - از غم غم انگیز "لحظه موسیقی" در ب مینور گرفته تا آخرالزمان سرود عاشقانه "آب های بهار"، از فشار شدید خود به خودی-ارادی "لحظه موزیکال" در مینور تا بهترین آبرنگ عاشقانه "جزیره".

زندگی در این سال ها سخت بود. قاطع و قدرتمند در عملکرد و خلاقیت، راخمانینوف ذاتاً فردی آسیب پذیر بود و اغلب دچار تردید به خود می شد. تداخل با مشکلات مادی، بی نظمی دنیوی، سرگردانی در گوشه های غریب. و اگرچه او توسط افراد نزدیک خود، در درجه اول خانواده ساتین حمایت می شد، اما احساس تنهایی می کرد. شوک شدید ناشی از شکست اولین سمفونی او که در مارس 1897 در سن پترزبورگ اجرا شد، به یک بحران خلاقانه منجر شد. راخمانینوف برای چندین سال هیچ آهنگی ننوشت، اما فعالیت های نمایشی او به عنوان نوازنده پیانو تشدید شد و او اولین حضور خود را به عنوان رهبر ارکستر در اپرای خصوصی مسکو (1897) انجام داد. در این سالها با ال. تولستوی آشنا شد، آ. چخوف، هنرمندان تئاتر هنر، دوستی با فئودور شالیاپین آغاز کرد که راخمانینوف آن را یکی از "قدرتمندترین، عمیق ترین و ظریف ترین تجربیات هنری" می دانست. در سال 1899، راخمانینوف برای اولین بار در خارج از کشور (در لندن) اجرا کرد و در سال 1900 از ایتالیا بازدید کرد، جایی که طرح هایی از اپرای آینده فرانچسکا دا ریمینی ظاهر شد. یک رویداد شادی آور، اجرای اپرای آلکو در سن پترزبورگ به مناسبت صدمین سالگرد آ.پوشکین با چالیاپین در نقش آلکو بود. بنابراین، یک نقطه عطف داخلی به تدریج آماده می شد و در اوایل دهه 100. بازگشت به خلاقیت وجود دارد. قرن جدید با دومین کنسرتو پیانو آغاز شد که مانند زنگ خطری قدرتمند به صدا درآمد. معاصران صدای زمان را با تنش، انفجار و احساس تغییرات قریب الوقوع در او شنیدند. اکنون ژانر کنسرت در حال تبدیل شدن به ژانر پیشرو است ، در آن است که ایده های اصلی با بیشترین کامل و فراگیر تجسم می یابد. مرحله جدیدی در زندگی راخمانینوف آغاز می شود.

فعالیت پیانیست و رهبر ارکستر او در روسیه و خارج از کشور به رسمیت شناخته شد. 2 سال (1904-06) راخمانینوف به عنوان رهبر ارکستر در تئاتر بولشوی کار کرد و در تاریخ خود خاطره تولیدات شگفت انگیز اپراهای روسی را به یادگار گذاشت. در سال 1907 او در کنسرت های تاریخی روسیه که توسط اس. دیاگیلف در پاریس برگزار شد شرکت کرد، در سال 1909 برای اولین بار در آمریکا اجرا کرد و در آنجا سومین کنسرتو پیانو خود را به رهبری جی. مالر نواخت. فعالیت فشرده کنسرت در شهرهای روسیه و خارج از کشور با خلاقیت نه چندان شدید و در موسیقی این دهه (در کانتاتا "بهار" - 1902، در پیش درآمد اپ. 23، در پایان سمفونی دوم و کنسرتو سوم) شور و شوق و اشتیاق فراوانی وجود دارد. و در آهنگ هایی مانند عاشقانه های "یاس بنفش"، "اینجا خوب است"، در پیش درآمدهای D ماژور و G ماژور، "موسیقی نیروهای آوازخوان طبیعت" با نفوذ شگفت انگیزی به صدا درآمد.

اما در همان سال ها حالات دیگری نیز احساس می شود. افکار غم انگیز در مورد سرزمین مادری و سرنوشت آینده آن، تأملات فلسفی در مورد زندگی و مرگ باعث ایجاد تصاویر تراژیک از اولین سونات پیانو، الهام گرفته از فاوست گوته، شعر سمفونیک "جزیره مردگان" بر اساس نقاشی هنرمند سوئیسی می شود. A. Böcklin (1909)، بسیاری از صفحات کنسرتو سوم، عاشقانه op. 26. تغییرات درونی به ویژه پس از سال 1910 مشهود شد. اگر در کنسرتو سوم سرانجام بر تراژدی غلبه کرد و کنسرتو با آپوتئوزی شادی آور به پایان رسید، آنگاه در آثار پس از آن به طور مداوم عمیق تر می شود و تصاویر تهاجمی، خصمانه، غم انگیز را زنده می کند. خلق و خوی افسرده زبان موسیقی پیچیده‌تر می‌شود، نفس ملودیک گسترده‌ای که مشخصه راخمانینوف است ناپدید می‌شود. شعر آوازی-سمفونیک «زنگ ها» (در خیابان ای. پو، ترجمه کی. بالمونت – 1913) از این قبیل است. عاشقانه ها op. 34 (1912) و op. 38 (1916); اتود-نقاشی op. 39 (1917). با این حال، در این زمان بود که راخمانینوف آثاری پر از معنای اخلاقی عالی خلق کرد که به تجسم زیبایی معنوی پایدار تبدیل شد، اوج ملودی راخمانینف - "Vocalise" و "All-Night Vigil" برای گروه کر a cappella (1915). "از دوران کودکی، من مجذوب ملودی های باشکوه Oktoikh بودم. من همیشه احساس می‌کردم که برای پردازش کرال آن‌ها یک سبک خاص و خاص لازم است و به نظرم آن را در شام پیدا کردم. نمی توانم اعتراف نکنم. راخمانینوف به یاد می آورد که اولین اجرای آن توسط گروه کر سینودال مسکو یک ساعت شادترین لذت را به من داد.

در 24 دسامبر 1917، راخمانینوف و خانواده اش، همانطور که معلوم شد، برای همیشه روسیه را ترک کردند. برای بیش از یک ربع قرن او در یک سرزمین خارجی، در ایالات متحده آمریکا زندگی کرد و این دوره عمدتاً پر از فعالیت های طاقت فرسا کنسرت، تابع قوانین ظالمانه تجارت موسیقی بود. راخمانینوف بخش قابل توجهی از هزینه های خود را برای حمایت مادی از هموطنان خود در خارج و روسیه استفاده کرد. بنابراین، کل مجموعه برای اجرا در آوریل 1922 به نفع گرسنگان در روسیه منتقل شد و در پاییز 1941 رحمانیف بیش از چهار هزار دلار به صندوق کمک ارتش سرخ فرستاد.

راخمانینوف در خارج از کشور در انزوا زندگی می کرد و دایره دوستان خود را به مهاجران روسیه محدود می کرد. استثنا فقط برای خانواده F. Steinway، رئیس شرکت پیانو، که راخمانینوف با آنها روابط دوستانه داشت، وجود داشت.

اولین سالهای اقامت خود در خارج از کشور ، راخمانینوف فکر از دست دادن الهام خلاق را ترک نکرد. پس از ترک روسیه، تمایل به آهنگسازی را از دست دادم. با از دست دادن وطن، خودم را از دست دادم.» تنها 8 سال پس از ترک خارج از کشور، راخمانینوف به خلاقیت بازگشت، چهارمین کنسرتو پیانو (1926)، سه آهنگ روسی برای گروه کر و ارکستر (1926)، تغییرات با موضوع کورلی برای پیانو (1931)، راپسودی با موضوع پاگانینی را خلق کرد. (1934)، سمفونی سوم (1936)، "رقص های سمفونیک" (1940). این آثار آخرین و بالاترین ظهور راخمانینوف هستند. احساس غم انگیز از دست دادن جبران ناپذیر، اشتیاق سوزان برای روسیه باعث ایجاد هنری با قدرت غم انگیز عظیم می شود که در رقص های سمفونیک به اوج خود می رسد. و در سمفونی سوم درخشان، راخمانینوف مضمون اصلی کار خود را برای آخرین بار تجسم می بخشد - تصویر سرزمین مادری. انديشه غليظ و شديد هنرمند او را از اعماق قرن ها بر مي انگيزد، او به عنوان خاطره اي بي نهايت عزيز پديد مي آيد. در آمیختگی پیچیده ای از مضامین مختلف، قسمت ها، چشم انداز وسیعی پدیدار می شود، حماسه ای دراماتیک از سرنوشت میهن بازآفرینی می شود و با تأیید زندگی پیروزمندانه به پایان می رسد. بنابراین در تمام آثار راخمانینف او مصونیت از اصول اخلاقی، معنویت بالا، وفاداری و عشق اجتناب ناپذیر به میهن را حمل می کند که تجسم آن هنر او بود.

O. Averyanova

• موزه املاک راخمانینوف در ایوانوفکا →
• آثار پیانو از راخمانینوف →
• آثار سمفونیک راخمانینوف →
• هنر اتاقی- ساز راخمانینف →
• آثار اپرا توسط راخمانینوف →
• آثار کرال توسط راخمانینوف →
• عاشقانه های راخمانینوف →
• راخمانینوف-رهبر →

ویژگی های خلاقیت

سرگئی واسیلیویچ راخمانینوف به همراه اسکریابین یکی از شخصیت های اصلی موسیقی روسیه در دهه 1900 است. کار این دو آهنگساز توجه ویژه معاصران را به خود جلب کرد ، آنها به شدت در مورد آن بحث کردند ، بحث های چاپی تیز پیرامون آثار فردی آنها شروع شد. با وجود تمام تفاوت های ظاهری فردی و ساختار فیگوراتیو موسیقی راخمانینوف و اسکریابین، نام آنها اغلب در کنار هم در این اختلافات ظاهر می شد و با یکدیگر مقایسه می شد. دلایل کاملاً بیرونی برای چنین مقایسه ای وجود داشت: هر دو دانش آموزان کنسرواتوار مسکو بودند که تقریباً همزمان از آن فارغ التحصیل شدند و با همان معلمان تحصیل کردند ، هر دو بلافاصله با قدرت و درخشندگی استعداد خود در بین همسالان خود برجسته شدند و به رسمیت شناخته نشدند. فقط به عنوان آهنگسازان بسیار با استعداد، بلکه به عنوان پیانیست های برجسته.

اما چیزهای زیادی هم بود که آنها را از هم جدا می کرد و گاهی آنها را در جناح های مختلف زندگی موسیقی قرار می داد. اسکریابین مبتکر جسور، که جهان‌های موسیقی جدیدی را گشود، با راخمانینوف به‌عنوان هنرمندی با تفکر سنتی‌تر که کار خود را بر پایه‌های محکم میراث کلاسیک ملی استوار کرد، مخالف بود. «جی. راخمانینوف، یکی از منتقدان نوشت، ستونی است که همه قهرمانان جهت واقعی دور آن جمع شده اند، همه کسانی که پایه های گذاشته شده توسط موسورگسکی، بورودین، ریمسکی-کورساکوف و چایکوفسکی را گرامی می دارند.

با این حال، با وجود تفاوت در موقعیت های راخمانینوف و اسکریابین در واقعیت موسیقی معاصر آنها، آنها نه تنها به دلیل شرایط عمومی برای پرورش و رشد یک شخصیت خلاق در جوانی، بلکه به دلیل برخی ویژگی های عمیق تر مشترک گرد هم آمدند. . "استعداد سرکش و بی قرار" - اینگونه بود که رحمانینوف زمانی در مطبوعات توصیف می شد. این تکانشگری بی قرار، هیجان لحن عاطفی، مشخصه کار هر دو آهنگساز بود که با انتظارات، آرزوها و امیدهای مضطرب آنها در آغاز قرن بیستم، آن را به محافل گسترده جامعه روسیه محبوب و نزدیک کرد. .

ال. سابانیف، یکی از غیورترین معذرت خواهی ها برای اولین و اعتراف کرد: «اسکریابین و راخمانینوف دو «حاکم افکار موسیقایی» دنیای موسیقی مدرن روسیه هستند. حریف به همان اندازه سرسخت و مخالف دوم. منتقد دیگری که در قضاوت‌هایش معتدل‌تر بود، در مقاله‌ای که به توصیف مقایسه‌ای از سه نماینده برجسته مکتب موسیقی مسکو، تانیف، راخمانینوف و اسکریابین اختصاص داشت، نوشت: لحن زندگی مدرن و بسیار شدید. هر دو بهترین امیدهای روسیه مدرن هستند.

برای مدت طولانی، دیدگاه راخمانینوف به عنوان یکی از نزدیک ترین وارثان و جانشینان چایکوفسکی غالب بود. تأثیر نویسنده ملکه بیل بدون شک نقش بسزایی در شکل گیری و توسعه آثار او داشت که برای فارغ التحصیل کنسرواتوار مسکو، دانشجوی AS Arensky و SI Taneyev کاملاً طبیعی است. در همان زمان، او برخی از ویژگی های مکتب آهنگسازان "پترزبورگ" را نیز درک کرد: غزل هیجان انگیز چایکوفسکی در راخمانینف با عظمت حماسی خشن بورودین، نفوذ عمیق موسورگسکی به سیستم تفکر موسیقی باستان روسیه و درک شاعرانه از طبیعت بومی ریمسکی-کورساکوف. با این حال، هر آنچه از معلمان و پیشینیان آموخته شد توسط آهنگساز عمیقاً مورد بازنگری قرار گرفت و از اراده خلاقانه قوی او پیروی کرد و شخصیت فردی جدید و کاملاً مستقل به دست آورد. سبک عمیقا اصلی راخمانینوف دارای یکپارچگی و ارگانیک درونی عالی است.

اگر به دنبال تشابهاتی با او در فرهنگ هنری روسی قرن بیستم باشیم، این اول از همه، خط چخوف-بونین در ادبیات، مناظر غنایی لویتان، نستروف، استروخوف در نقاشی است. این مشابهت ها بارها توسط نویسندگان مختلف مورد توجه قرار گرفته و تقریباً کلیشه ای شده است. معلوم است که رحمانیف با چه عشق و احترامی پرشور با کار و شخصیت چخوف رفتار می کرد. قبلاً در سالهای پایانی زندگی، با خواندن نامه های نویسنده، پشیمان شد که در زمان خود او را از نزدیک ملاقات نکرده است. این آهنگساز سال ها با همدردی متقابل و دیدگاه های هنری مشترک با بونین در ارتباط بود. آنها با عشقی پرشور به طبیعت بومی روسی خود، برای نشانه های یک زندگی ساده که از قبل در مجاورت یک فرد به دنیای اطرافش می رود، نگرش شاعرانه جهان، رنگ آمیزی عمیق، گرد هم آوردند و به هم مرتبط شدند. غزلیات نافذ، عطش رهایی معنوی و رهایی از قید و بندهایی که آزادی انسان را محدود می کند.

منبع الهام راخمانینوف انواع انگیزه های ناشی از زندگی واقعی، زیبایی طبیعت، تصاویر ادبیات و نقاشی بود. او گفت: «... من متوجه شدم که ایده‌های موسیقایی تحت تأثیر برخی برداشت‌های فراموسیقی با سهولت بیشتری در من متولد می‌شوند.» اما در عین حال، راخمانینوف نه برای انعکاس مستقیم برخی از پدیده های واقعیت با استفاده از موسیقی، برای "نقاشی در صداها"، بلکه برای بیان واکنش عاطفی، احساسات و تجربیات خود که تحت تأثیر انواع مختلف به وجود می آمد تلاش کرد. برداشت های دریافتی خارجی از این نظر، می توان در مورد او به عنوان یکی از برجسته ترین و معمولی ترین نمایندگان رئالیسم شاعرانه دهه 900 صحبت کرد که روند اصلی آن با موفقیت توسط وی. از هوی و هوس دنیای ناموجود توهم ایجاد نکنید. ما رابطه جدیدی از روح انسان با دنیای اطراف ایجاد می کنیم یا آشکار می کنیم که در ما متولد می شود.

یکی از بارزترین ویژگی‌های موسیقی راخمانینوف که قبل از هر چیز در هنگام آشنایی با آن جلب توجه می‌کند، رساترین ملودی است. در میان معاصران خود، او به دلیل توانایی خود در ایجاد ملودی های گسترده و طولانی با تنفس عالی، ترکیب زیبایی و انعطاف پذیری نقاشی با بیان روشن و شدید متمایز است. ملودیزم، ملودی بودن کیفیت اصلی سبک راخمانینوف است که تا حد زیادی ماهیت تفکر هارمونیک آهنگساز و بافت آثار او را تعیین می کند، به طور معمول با صداهای مستقل اشباع شده است، یا به سمت جلو حرکت می کند، یا در یک متراکم متراکم ناپدید می شود. پارچه سالم

راخمانینوف بر اساس ترکیبی از تکنیک‌های مشخص چایکوفسکی، نوع خاص ملودی خود را خلق کرد - توسعه ملودی پویا فشرده با روش دگرگونی‌های مختلف، که روان‌تر و آرام‌تر انجام می‌شد. پس از برخاستن سریع یا صعود شدید طولانی به بالا، ملودی، همانطور که بود، در سطح به دست آمده منجمد می شود، همیشه به یک صدای بلند آواز برمی گردد، یا به آرامی، با لبه های سر به فلک کشیده، به ارتفاع اولیه خود باز می گردد. رابطه معکوس نیز امکان پذیر است، زمانی که یک اقامت کم و بیش طولانی در یک منطقه محدود با ارتفاع بالا به طور ناگهانی توسط جریان ملودی برای یک فاصله زمانی گسترده شکسته می شود و سایه ای از بیان غزلی تند را ارائه می دهد.

در چنین نفوذ متقابل دینامیک و ایستایی، LA Mazel یکی از بارزترین ویژگی های ملودی راخمانینوف را می بیند. محقق دیگری به نسبت این اصول در آثار راخمانینف معنای کلی تری می دهد و به تناوب لحظه های «ترمز» و «شکست» در زیربنای بسیاری از آثار او اشاره می کند. (VP Bobrovsky ایده مشابهی را بیان می کند و خاطرنشان می کند که "معجزه فردیت راخمانینوف در وحدت ارگانیک منحصر به فرد دو گرایش متضاد و ترکیب آنها نهفته است" - یک آرزوی فعال و تمایل به "اقامت طولانی در آنچه بوده است". به دست آورد."). میل به غزل متفکرانه، غوطه ور شدن طولانی مدت در یک حالت ذهنی، گویی آهنگساز می خواهد زمان زودگذر را متوقف کند، او با یک انرژی عظیم و شتابان بیرونی، تشنگی برای تأیید فعالانه خود ترکیب شد. از این رو قدرت و وضوح تضادها در موسیقی اوست. او به دنبال این بود که هر احساس، هر حالت ذهنی را به درجات افراطی بیان برساند.

در ملودی های غنایی آزادانه راخمانینوف، با نفس طولانی و بی وقفه آنها، اغلب چیزی شبیه به وسعت "غیر قابل گریز" آواز عامیانه ماندگار روسی شنیده می شود. با این حال، در همان زمان، ارتباط بین خلاقیت راخمانینوف و ترانه سرایی عامیانه ماهیتی بسیار غیرمستقیم داشت. تنها در موارد نادر و منفرد آهنگساز به استفاده از آهنگ های عامیانه اصیل متوسل شد. او برای شباهت مستقیم ملودی های خود با ملودی های عامیانه تلاش نکرد. نویسنده اثری ویژه در مورد ملودی های خود به درستی خاطرنشان می کند: "در راخمانینوف" به ندرت ارتباط مستقیمی با ژانرهای خاصی از هنر عامیانه ظاهر می شود. به طور خاص، به نظر می رسد که این ژانر اغلب در «احساس» عمومی مردم حل می شود و مانند پیشینیان خود، سرآغاز تثبیت کننده کل روند شکل گیری و تبدیل شدن به یک تصویر موسیقایی نیست. مکرراً توجه به ویژگی‌هایی از ملودی راخمانینف جلب شده است که آن را به آهنگ فولکلور روسی نزدیک‌تر می‌کند، مانند نرمی حرکت با غلبه حرکت‌های گام‌به‌گام، دیاتونیسم، فراوانی چرخش‌های فریگی و غیره. جذب عمیق و ارگانیک. توسط آهنگساز، این ویژگی ها به یک ویژگی غیرقابل تفکیک سبک نویسنده فردی او تبدیل می شود و رنگ آمیزی بیانی ویژه ای را که فقط برای او خاص است به دست می آورد.

طرف دیگر این سبک، به اندازه غنای ملودیک موسیقی راخمانینوف به طرز غیرقابل مقاومتی تأثیرگذار است، ریتمی غیرعادی پرانرژی، تسخیرکننده و در عین حال منعطف و گاهی عجیب و غریب. هم معاصران آهنگساز و هم محققان بعدی در مورد این ریتم راخمانینوف بسیار نوشتند که بی اختیار توجه شنونده را به خود جلب می کند. اغلب این ریتم است که لحن اصلی موسیقی را تعیین می کند. ای وی اوسوفسکی در سال 1904 در مورد آخرین موومان سوئیت دوم برای دو پیانو اشاره کرد که راخمانینوف در آن «از تعمیق علاقه ریتمیک فرم تارانتلا به روحی بی قرار و تاریک که با حملات نوعی شیطان پرستی بیگانه نیست هراسی نداشت. بار."

ریتم در راخمانینوف به‌عنوان حامل یک اصل ارادی مؤثر ظاهر می‌شود که بافت موسیقی را پویا می‌کند و «سیل احساسات» غنایی را وارد جریان اصلی یک کل هماهنگ از نظر معماری کامل می‌کند. BV Asafiev، با مقایسه نقش اصل ریتمیک در آثار راخمانینف و چایکوفسکی، نوشت: "با این حال، در دومی، ماهیت اساسی سمفونی" بی قرار" او با نیروی خاصی در برخورد دراماتیک خود مضامین ظاهر شد. در موسیقی راخمانینف، پرشور در یکپارچگی خلاقانه اش، اتحاد غنایی-تفکری انبار احساس با انبار سازمانی با اراده قوی «من» آهنگساز-نوازنده آن «حوزه فردی» تفکر شخصی است. که با ریتم به معنای عامل ارادی کنترل می شد...». الگوی ریتمیک در راخمانینوف همیشه به وضوح مشخص می شود، صرف نظر از اینکه ریتم ساده است، یکنواخت، مانند ضربات سنگین و اندازه گیری شده یک زنگ بزرگ، یا پیچیده و به طور پیچیده گلدار. اوستیناتو ریتمیک مورد علاقه آهنگساز، به ویژه در آثار دهه 1910، به ریتم نه تنها شکل دهنده، بلکه در برخی موارد اهمیت موضوعی نیز می بخشد.

در زمینه هارمونی، راخمانینف فراتر از سیستم کلاسیک ماژور-مینور به شکلی که در آثار آهنگسازان رمانتیک اروپایی، چایکوفسکی و نمایندگان مشتی توانا به دست آورد، نرفت. موسیقی او همیشه از نظر لحنی تعریف شده و پایدار است، اما در استفاده از ابزار هارمونی تونال کلاسیک-عاشقانه، او با برخی از ویژگی های مشخصه مشخص می شود که به وسیله آنها ایجاد تألیف یک یا آن آهنگ دشوار نیست. از جمله خصوصیات فردی خاص زبان هارمونیک راخمانینوف می توان به کندی شناخته شده حرکت عملکردی، تمایل به ماندن طولانی مدت در یک کلید و گاهی اوقات تضعیف گرانش اشاره کرد. توجه به وفور تشکل‌های چند ترتی پیچیده، ردیف‌هایی از آکوردهای غیر دسیمال و غیر دسیمال، که اغلب دارای اهمیت رنگارنگ‌تر و آوایی‌تر از عملکردی هستند، جلب می‌شود. ارتباط این نوع هارمونی های پیچیده بیشتر به کمک اتصال ملودیک انجام می شود. تسلط عنصر ملودیک-آهنگ در موسیقی راخمانینوف درجه بالایی از اشباع چند صدایی بافت صوتی آن را تعیین می کند: مجتمع های هارمونیک فردی دائماً در نتیجه حرکت آزاد صداهای "آوازخوان" کم و بیش مستقل به وجود می آیند.

یک چرخش هارمونیک مورد علاقه راخمانینوف وجود دارد که او آنقدر از آن استفاده می کرد، به ویژه در آهنگسازی های دوره اولیه، که حتی نام "هارمونی راخمانینوف" را نیز دریافت کرد. این چرخش بر اساس یک آکورد هفتم مقدماتی کاهش یافته از یک مینور هارمونیک است که معمولاً به شکل ترزکوارتککرد با جایگزینی درجه II درجه III و وضوح به یک سه گانه تونیک در مقام سوم ملودیک استفاده می شود.

حرکت به یک کوارت کاهش یافته که در این مورد در صدای ملودیک به وجود می آید، احساس غم انگیزی را برمی انگیزد.

به عنوان یکی از ویژگی های قابل توجه موسیقی راخمانینوف، تعدادی از محققان و ناظران به رنگ آمیزی جزئی غالب آن اشاره کردند. هر چهار کنسرتو پیانوی او، سه سمفونی، هر دو سونات پیانو، اکثر اتودها-تصاویر و بسیاری از ساخته های دیگر به صورت مینور نوشته شده بودند. حتی ماژور اغلب به دلیل کاهش تغییرات، انحرافات تونال و استفاده گسترده از پله های جانبی جزئی، رنگ جزئی پیدا می کند. اما تعداد کمی از آهنگسازان به چنین تنوعی از تفاوت های ظریف و درجات تمرکز بیانی در استفاده از کلید مینور دست یافته اند. اظهارات LE Gakkel که در اتود-نقاشی op. 39 «با توجه به گسترده‌ترین طیف رنگ‌های جزئی وجود، سایه‌های جزئی احساس زندگی» را می‌توان به بخش قابل توجهی از تمام کارهای راخمانینوف تعمیم داد. منتقدانی مانند سابانیف، که خصومت تعصب آمیزی نسبت به راخمانینوف داشت، او را "یک ناله کننده باهوش" نامیدند، که موسیقی او "درماندگی غم انگیز مردی فاقد اراده" را منعکس می کند. در همین حال، مینور متراکم "تاریک" راخمانینوف اغلب شجاعانه، اعتراض آمیز و پر از تنش ارادی فوق العاده به نظر می رسد. و اگر نت های غم انگیز به گوش می رسد ، پس این "اندوه نجیب" هنرمند میهن پرست است ، آن "ناله خفه شده در مورد سرزمین مادری" که توسط M. Gorky در برخی از آثار بونین شنیده شد. راخمانینوف مانند این نویسنده از نظر روحی نزدیک به او، به قول گورکی "به کل روسیه می اندیشید" که از دست دادن خود پشیمان بود و از سرنوشت آینده نگران بود.

تصویر خلاق راخمانینوف در ویژگی های اصلی خود در طول سفر نیم قرنی آهنگساز بدون تجربه شکستگی ها و تغییرات شدید، یکپارچه و پایدار باقی ماند. اصول زیبایی‌شناسی و سبک‌شناسی را که در جوانی آموخته بود، تا آخرین سال‌های عمرش وفادار بود. با این وجود، ما می توانیم تحول خاصی را در کار او مشاهده کنیم که نه تنها در رشد مهارت، غنی سازی پالت صدا ظاهر می شود، بلکه تا حدی بر ساختار فیگوراتیو و بیانی موسیقی تأثیر می گذارد. در این مسیر، سه دوره بزرگ، هرچند نابرابر هم از نظر مدت زمان و هم از نظر درجه بهره وری، به وضوح ترسیم شده است. آنها با سزارهای موقت کم و بیش طولانی، نوارهای تردید، تأمل و تردید از یکدیگر جدا می شوند، زمانی که حتی یک اثر کامل از قلم آهنگساز بیرون نیامد. دوره اول، که به دهه 90 قرن XNUMX می رسد، می تواند زمان رشد خلاق و بلوغ استعداد نامیده شود که از طریق غلبه بر تأثیرات طبیعی در سنین پایین، مسیر خود را اثبات کرد. آثار این دوره اغلب هنوز به اندازه کافی مستقل نیستند، از نظر فرم و بافت ناقص هستند. (برخی از آنها (نخستین کنسرتو پیانو، تریو الژیاک، قطعات پیانو: ملودی، سرناد، طنز) بعداً توسط آهنگساز اصلاح شد و بافت آنها غنی و توسعه یافت.)، اگرچه در تعدادی از صفحات آنها (بهترین لحظات اپرای جوانی "الکو"، سه گانه مرثیه به یاد پی چایکوفسکی، پیش درآمد معروف در مینور سی شارپ، برخی از لحظات موسیقی و عاشقانه ها)، فردیت آهنگساز قبلاً با اطمینان کافی آشکار شده است.

یک مکث غیرمنتظره در سال 1897 و پس از اجرای ناموفق اولین سمفونی راخمانینوف رخ می دهد، اثری که آهنگساز در آن کار و انرژی معنوی زیادی به خرج داده است که توسط اکثر موسیقیدانان اشتباه درک شده و تقریباً به اتفاق آرا در صفحات مطبوعات محکوم و حتی مورد تمسخر قرار گرفته است. توسط برخی از منتقدان شکست این سمفونی باعث آسیب روحی عمیقی در راخمانینوف شد. بنا به اعترافات بعدی خود، او "مانند مردی بود که سکته کرده بود و برای مدت طولانی هم سر و هم دستانش را از دست داده بود." سه سال بعد، سال‌های سکوت تقریباً کامل خلاقانه، اما در عین حال تأملات متمرکز، ارزیابی مجدد انتقادی از همه کارهای قبلی بود. نتیجه این کار شدید درونی آهنگساز بر روی خود یک خیزش خلاقانه غیرمعمول شدید و درخشان در آغاز قرن جدید بود.

در طول سه یا چهار سال اول قرن بیست و سوم، رحمانینوف تعدادی از آثار در ژانرهای مختلف خلق کرد که به دلیل شعر عمیق، تازگی و بی واسطه بودن الهام، که در آن غنای تخیل خلاق و اصالت "دست خط" نویسنده قابل توجه بود. با ساخت بالا ترکیب شده اند. از جمله آنها می توان به دومین کنسرتو پیانو، سوئیت دوم برای دو پیانو، سونات برای ویولن سل و پیانو، کانتاتا "بهار"، اپوس "ده پیش درآمد" اشاره کرد. 23، اپرای "فرانچسکا دا ریمینی"، برخی از بهترین نمونه های اشعار آوازی راخمانینوف ("لیلاک"، "گزیده ای از آ. موست")، این مجموعه آثار موقعیت راخمانینوف را به عنوان یکی از بزرگترین و جالب ترین آهنگسازان روسی تثبیت کرد. در زمان ما، او را در محافل روشنفکران هنری و در میان توده های شنوندگان به رسمیت شناخت.

مدت زمان نسبتاً کوتاهی از 1901 تا 1917 پربارترین کار او بود: در این یک دهه و نیم، بیشتر آثار بالغ و مستقل از نظر سبک راخمانینوف نوشته شد که بخشی جدایی ناپذیر از کلاسیک های موسیقی ملی شد. تقریباً هر سال آثار جدیدی به ارمغان می آورد که ظهور آنها به یک رویداد قابل توجه در زندگی موسیقی تبدیل شد. با فعالیت خلاقانه بی وقفه راخمانینوف، کار او در این دوره بدون تغییر باقی نماند: در آغاز دو دهه اول، علائم یک تغییر دم در آن قابل توجه است. بدون از دست دادن ویژگی های کلی "عمومی" خود، لحن آن شدیدتر می شود، حالات مزاحم تشدید می شود، در حالی که به نظر می رسد ریزش مستقیم احساس غنایی کند می شود، رنگ های شفاف روشن کمتر در پالت صدای آهنگساز، رنگ کلی موسیقی ظاهر می شوند. تیره و غلیظ می شود. این تغییرات در سری دوم پیش درآمدهای پیانو، op. 32، دو چرخه اتود-نقاشی، و به ویژه ترکیبات بزرگ یادبود مانند "زنگ ها" و "بیداری تمام شب"، که سوالات عمیق و اساسی در مورد وجود انسان و هدف زندگی یک شخص را مطرح می کند.

تکاملی که راخمانینوف تجربه کرد از توجه معاصران او دور نماند. یکی از منتقدان درباره زنگ‌ها نوشت: «به نظر می‌رسد که رحمانیف شروع به جستجوی حالت‌های جدید، شیوه‌ای جدید برای بیان افکارش کرده است... شما اینجا سبک تازه متولد شده راخمانینوف را احساس می‌کنید که هیچ شباهتی با سبک چایکوفسکی ندارد. ”

پس از سال 1917، وقفه جدیدی در کار راخمانینوف آغاز می شود، این بار بسیار طولانی تر از قبلی. تنها پس از یک دهه، آهنگساز با تنظیم سه آهنگ فولکلور روسی برای گروه کر و ارکستر و تکمیل چهارمین کنسرتو پیانو، که در آستانه جنگ جهانی اول آغاز شده بود، به آهنگسازی بازگشت. در طول دهه 30 او (به جز چند رونوشت کنسرت برای پیانو) تنها چهار اثر نوشت، اما از نظر ایده آثار اصلی قابل توجه بود.

* * * *

راخمانینوف در محیطی از جستجوهای پیچیده و اغلب متناقض، مبارزه شدید و شدید جهت ها، شکست اشکال معمول آگاهی هنری که مشخصه توسعه هنر موسیقی در نیمه اول قرن بیستم بود، راخمانینوف به کلاسیک بزرگ وفادار ماند. سنت های موسیقی روسی از گلینکا گرفته تا بورودین، موسورگسکی، چایکوفسکی، ریمسکی-کورساکوف و نزدیکترین شاگردان و پیروان آنها تانیف، گلازونوف. اما او خود را به نقش نگهبان این سنت ها محدود نکرد، بلکه فعالانه، خلاقانه آنها را درک کرد و قدرت زنده، پایان ناپذیر، توانایی توسعه و غنی سازی بیشتر آنها را ابراز کرد. راخمانینوف، هنرمندی حساس و تأثیرپذیر، علیرغم پایبندی به دستورات کلاسیک، در برابر ندای مدرنیته کر نماند. در نگرش او به روندهای سبک جدید قرن XNUMX، نه تنها لحظه ای از رویارویی، بلکه همچنین یک تعامل خاص وجود داشت.

در طول نیم قرن، آثار راخمانینوف دستخوش تحول قابل توجهی شده است و آثار نه تنها در دهه 1930، بلکه همچنین در دهه 1910 به طور قابل توجهی هم از نظر ساختار فیگوراتیو و هم از نظر زبان، ابزارهای بیان موسیقایی از ابتدایی ترین و نه هنوز متفاوت است. آثار کاملا مستقل از پایان قبلی. قرن ها در برخی از آنها، آهنگساز با امپرسیونیسم، نمادگرایی، نئوکلاسیک در تماس است، اگرچه به شیوه ای عمیقاً عجیب، عناصر این روندها را به طور جداگانه درک می کند. با تمام تغییرات و چرخش ها، تصویر خلاق راخمانینوف در درون خود بسیار یکپارچه باقی ماند و آن ویژگی های اساسی و مشخصی را حفظ کرد که موسیقی او محبوبیت خود را مدیون گسترده ترین شنوندگان است: شعر پرشور، گیرا، صداقت و صمیمیت بیان، بینش شاعرانه جهان. .

یو. بیا دیگه

راخمانینوف رهبر ارکستر

راخمانینوف نه تنها به عنوان آهنگساز و پیانیست، بلکه به عنوان یک رهبر برجسته زمان ما در تاریخ ثبت شد، اگرچه این سمت از فعالیت او چندان طولانی و شدید نبود.

راخمانینوف اولین کار خود را به عنوان رهبر ارکستر در پاییز 1897 در اپرای خصوصی مامونتوف در مسکو انجام داد. قبل از آن، او مجبور نبود ارکستر را رهبری کند و رهبری را مطالعه کند، اما استعداد درخشان این نوازنده به راخمانینف کمک کرد تا به سرعت اسرار استادی را بیاموزد. کافی است به یاد بیاوریم که او به سختی موفق شد اولین تمرین را به پایان برساند: او نمی دانست که خوانندگان نیاز به معرفی مقدمه دارند. و چند روز بعد، راخمانینوف کار خود را به خوبی انجام داده بود و اپرای سن سانس سامسون و دلیلا را رهبری می کرد.

او نوشت: «سال اقامت من در اپرای مامونتوف برای من اهمیت زیادی داشت. "در آنجا من یک تکنیک ارکستر واقعی را به دست آوردم که بعدها بسیار به من خدمت کرد." راخمانینوف در طول فصل کار به عنوان رهبر ارکستر دوم تئاتر، بیست و پنج اجرا از XNUMX اپرا را رهبری کرد: "سامسون و دلیله"، "پری دریایی"، "کارمن"، "اورفیوس" از گلوک، "روگندا" از سروف، " میگنون» نوشته تام، «قبر آسکلد»، «قدرت دشمن»، «شب می». مطبوعات بلافاصله به وضوح سبک رهبر ارکستر، طبیعی بودن، عدم استقرار، حس آهنینی از ریتم منتقل شده به اجراکنندگان، طعم ظریف و حس شگفت انگیز رنگ های ارکستری اشاره کردند. با کسب تجربه، این ویژگی‌های راخمانینوف به‌عنوان یک نوازنده کاملاً آشکار شد و با اطمینان و اقتدار در کار با تکنوازان، گروه کر و ارکستر تکمیل شد.

در چند سال بعد، راخمانینوف، که به آهنگسازی و فعالیت پیانیستی مشغول بود، فقط گاهی اوقات به اجرای برنامه می پرداخت. اوج استعداد رهبری او به دوره 1904-1915 می رسد. او به مدت دو فصل در تئاتر بولشوی کار می کند، جایی که تفسیر او از اپراهای روسی از موفقیت خاصی برخوردار است. وقایع تاریخی در زندگی تئاتر توسط منتقدان اجرای سالگرد ایوان سوزانین نامیده می شود که او به افتخار صدمین سالگرد تولد گلینکا اجرا کرد و هفته چایکوفسکی، که در طی آن راخمانینوف ملکه بیل، یوجین اونگین، اوپریک نیک را رهبری کرد. و باله

بعدها راخمانینوف اجرای نمایش ملکه بیل را در سن پترزبورگ کارگردانی کرد. بازبینان موافقت کردند که این او بود که اولین کسی بود که کل معنای غم انگیز اپرا را درک کرد و به مخاطب منتقل کرد. از جمله موفقیت‌های خلاقانه راخمانینوف در تئاتر بولشوی، تولید پان ووودا اثر ریمسکی-کورساکوف و اپراهای خودش، شوالیه خسیس و فرانچسکا دا ریمینی است.

در صحنه سمفونیک ، راخمانینوف از همان اولین کنسرت ها خود را به عنوان استاد کامل در مقیاس عظیم ثابت کرد. لقب "درخشان" مطمئناً با بررسی عملکردهای او به عنوان رهبر ارکستر همراه بود. اغلب راخمانینوف در کنسرت های انجمن فیلارمونیک مسکو و همچنین با ارکسترهای سیلوتی و کوسویتزکی در غرفه رهبر ارکستر ظاهر می شد. در سالهای 1907-1913، او کارهای زیادی در خارج از کشور انجام داد - در شهرهای فرانسه، هلند، ایالات متحده آمریکا، انگلستان، آلمان.

کارنامه راخمانینوف به عنوان رهبر ارکستر در آن سالها به طور غیرعادی چند وجهی بود. او توانست به متنوع ترین سبک و شخصیت اثر نفوذ کند. طبیعتاً موسیقی روسی به او نزدیکتر بود. او سمفونی بوگاتیر بورودین را که در آن زمان تقریباً فراموش شده بود، روی صحنه احیا کرد و به محبوبیت مینیاتورهای لیادوف کمک کرد که او با درخشش استثنایی اجرا کرد. تفسیر او از موسیقی چایکوفسکی (به ویژه سمفونی های چهارم و پنجم) با اهمیت و عمق فوق العاده ای مشخص بود. در آثار ریمسکی-کورساکوف او توانست روشن ترین طیف رنگ ها را برای مخاطب باز کند و در سمفونی های بورودین و گلازونف با وسعت حماسی و یکپارچگی دراماتیک تفسیر مخاطب را مجذوب خود کرد.

یکی از اوج هنر رهبری راخمانینف، تفسیر سمفونی جی مینور موتزارت بود. منتقد ولفینگ نوشته است: «بسیاری از سمفونی های نوشته شده و چاپ شده قبل از اجرای راخمانینف از سمفونی جی مول موتزارت چه معنایی دارند؟ ... نابغه هنری روس برای دومین بار ماهیت هنری نویسنده این سمفونی را متحول کرد و به نمایش گذاشت. ما می توانیم نه تنها در مورد موتزارت پوشکین، بلکه در مورد موتزارت راخمانینوف نیز صحبت کنیم.

علاوه بر این، در برنامه‌های راخمانینف، موسیقی رمانتیک زیادی پیدا می‌کنیم – به عنوان مثال، سمفونی فوق‌العاده برلیوز، سمفونی‌های مندلسون و فرانک، اوورتور اوبرون وبر و قطعاتی از اپرای واگنر، شعر لیست و گریگ و شعر بعدی لیریک سوئیت… اجرای باشکوه نویسندگان مدرن – اشعار سمفونیک از R. Strauss، آثار امپرسیونیست ها: Debussy، Ravel، Roger-Ducasse... و البته، راخمانینوف یک مترجم بی نظیر از ساخته های سمفونیک خود بود. یاکولف، موسیقی‌شناس مشهور شوروی، که بیش از یک بار راخمانینوف را شنید، به یاد می‌آورد: «نه تنها مردم و منتقدان، اعضای مجرب ارکستر، اساتید، هنرمندان، رهبری او را بالاترین نقطه در این هنر می‌دانستند... روش‌های کار او این بود. نه چندان به یک نمایش، بلکه به اظهارات جداگانه، توضیحات بد، اغلب او آواز می خواند یا به یک شکل یا آن چیزی را که قبلاً در نظر گرفته بود توضیح می داد. همه کسانی که در کنسرت های او حضور داشتند، آن حرکات گسترده و مشخصه کل دست را به یاد می آورند، نه تنها از قلم مو. گاهی اوقات این حرکات او توسط اعضای ارکستر بیش از حد تلقی می شد، اما برای او آشنا و درک می شد. هیچ تصنعی در حرکات، ژست ها، هیچ افکتی، هیچ طراحی دستی وجود نداشت. شور و اشتیاق بی حد و حصری وجود داشت که قبل از آن تفکر، تحلیل، درک و بینش نسبت به سبک اجراکننده وجود داشت.

اضافه کنیم که راخمانینوف رهبر ارکستر نیز یک نوازنده بی نظیر بود. سولیست های کنسرت های او هنرمندانی چون تانیف، اسکریابین، سیلوتی، هافمن، کازال و در اجراهای اپرا چالیاپین، نژدانووا، سوبینوف ...

پس از سال 1913، راخمانینف از اجرای آثار دیگر نویسندگان خودداری کرد و تنها آهنگ های خود را رهبری کرد. تنها در سال 1915 با اجرای کنسرتی به یاد اسکریابین از این قاعده عدول کرد. با این حال، حتی بعدها شهرت او به عنوان یک رهبر ارکستر به طور غیرعادی در سراسر جهان بالا بود. کافی است بگوییم که بلافاصله پس از ورود به ایالات متحده در سال 1918، رهبری بزرگترین ارکسترهای کشور - در بوستون و سینسیناتی - به او پیشنهاد شد. اما در آن زمان او دیگر نمی توانست وقت خود را به رهبری اختصاص دهد ، مجبور شد به عنوان یک پیانیست فعالیت کنسرت شدیدی را انجام دهد.

تنها در پاییز 1939، زمانی که چرخه ای از کنسرت ها از آثار راخمانینوف در نیویورک ترتیب داده شد، آهنگساز موافقت کرد که یکی از آنها را رهبری کند. سپس ارکستر فیلادلفیا سمفونی سوم و زنگ ها را اجرا کرد. او همین برنامه را در سال 1941 در شیکاگو تکرار کرد و یک سال بعد اجرای «جزیره مردگان» و «رقص های سمفونیک» را در ایگان آربور کارگردانی کرد. منتقد O. Daune می نویسد: «رخمانیف ثابت کرد که مهارت و کنترل مشابهی بر اجرا، موسیقی و قدرت خلاقانه دارد، رهبری ارکستر را که هنگام نواختن پیانو نشان می دهد. شخصیت و سبک نوازندگی او و رهبری او با آرامش و اعتماد به نفس به چشم می خورد. همان فقدان کامل خودنمایی، همان حس وقار و خویشتن داری آشکار، همان نیروی شاهانه تحسین برانگیز است. ضبط‌های جزیره مردگان، آواز و سمفونی سوم که در آن زمان ساخته شد، شواهدی از هنر رهبری موسیقیدان برجسته روسی را برای ما حفظ کرده است.

ال. گریگوریف، جی. پلاتک